quinta-feira, 22 de outubro de 2009

Ernest Ludwig Kirchner



Ernst Ludwig Kirchner














Ernst Ludwig Kirchner





Ernst Ludwig Kirchner foi um pintor expressionista alemão. Influenciado pelo cubismo e fauvismo, o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos, com o fim de manifestar sua verdadeira visão da realidade.
Ernst Ludwig Kirchner nasceu na Alemanha em 1880, iniciou seus estudos em arquitetura no ano de 1901 na Technische Hochschule em Dresda. Dentre várias obras, Kirchner realizou trabalhos de decoração de interiores de casas e capelas, mas foi na pintura que mais se destacou, pintou mais de mil quadros.
O artista foi o integrante de maior expressão do Die Brücke(a ponte), grupo formado em 1905 por quatro estudantes de arquitetura, cujo principal ideal era libertar a arte dos valores formais e tradicionais. A xilogravura foi uma técnica muito utilizada pelo grupo, Kirchner era o executor das xilogravuras para os cartazes e catálogos do Brücke, técnica que aprendeu aos 15 anos com seu pai. Em 1913, o grupo se dissolveu e cada artista seguiu seu caminho dentro da arte.
As características da xilogravura foram levadas para as outras obras de Kirchner, como a pintura a óleo Amazona Nua (1912), caracterizada por contornos recortados e contraste agressivo entre claro e escuro.
A bidimensionalidade e a simplicidade são marcas do artista, evidentes nas combinações simples de cor, poucas nuances, falta de perspectiva e motivos sobrepostos.
A emoção e o tormento individual de Kirchner são expostos em seus trabalhos pelo tipo de pincelada curta e agressiva. Além da influência do fauvismo, revelada na exploração e emoção das cores, e do cubismo, evidente na geometrização das formas, o pintor também foi influenciado pelo pós-impressionismo, sobretudo Van Gogh.
O mundo em torno do artista era o tema de seus trabalhos: vista de cidade, paisagens, retratos de seus companheiros, o corpo humano nu e cenas de circo e music-hall. Em 1911 Kirchner e seus amigos mudaram-se para Berlim, época na qual o pintor explorou em seus trabalhos a experiência numa metrópole moderna. As cenas urbanas se fizeram muito presentes na obras do artista, revelando um aspecto de movimento.
Quando eclodiu a Primeira Guerra Mundial, Kirchner transmitiu para o seu trabalho as suas perturbações. A destruição da figura humana foi uma das características dessa época. Um exemplo é a obra Auto-retrato como soldado, na qual ele se mostra em primeiro plano com a mão decepada, e no fundo uma modelo nua. O quadro pode ser interpretado como uma metáfora da masculinidade e ao horror da guerra.
Em 1917, devido ao seu estado emocional, Kirchner é levado para a Suíça pelos seus amigos. Conseqüentemente o tema de suas pinturas transformou-se com a nova paisagem. As formas recortadas das cenas urbanas dão espaço às linhas horizontais e verticais, transmitindo a sensação de paz e ordem.
Em 1938, sozinho e doente, o pintor se suicida na cidade de Davos, Suíça.


Algumas obras:














Autoretrato como soldado




Retrato de mulher – 1908

Mulher diante do espelho – 1912

Cavalgando no circo - 1912/1913

Video

caroline nº8 5ªf

e

Felipe Nº 11 5ª F

Vassíli Kandinski








A obra de Kandinski transmitiu aos pósteros impressões diversas e até contraditórias, do impressionismo inicial ao expressionismo. Depois adquiriu caráter tão peculiar que até a vaga classificação de "pintura abstrata" não exprime seu fascínio pelo jogo de formas livres, capazes de causar tal sensação de dinamismo interno que afastaram Kandinski de todos os "ismos" precedentes e projetaram sua influência no futuro..
Vassili Vassilievitch Kandinski nasceu em Moscou em 16 de dezembro (4 de dezembro, no calendário juliano) de 1866.
Fez o segundo grau em Odessa e estudos de direito e economia em Moscou, mas logo abandonou os cursos para ir estudar pintura em Munique, onde em 1898 entrou para a Academia Real.
Fez viagens à Tunísia, França e Países Baixos, permanecendo em Paris quase todo o ano de 1906.
Participou depois, em Munique, do grupo reunido em torno do almanaque Der Blaue Reiter (O Cavaleiro Azul) em 1911 e voltou para a Rússia em 1914.
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Em Moscou, tornou-se professor da Academia de Belas-Artes, diretor do Museu de Cultura e fundador da Academia de Ciências Artísticas.
Em 1921, a convite de Walter Gropius, Kandinski deixou a Rússia e ensinou na Bauhaus em Weimar, depois em Dessau.
Com o fechamento, em 1933, da Bauhaus pelos nazistas, foi para a França e instalou-se em Neuilly-sur-Seine. Em 1939 naturalizou-se francês.
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Evolução da obra
O período impressionista de Kandinski desenvolveu-se entre 1900 e 1905. Sua primeira exposição foi em Paris, enquanto ainda fazia parte do grupo "Phalanx", de Munique.
Em seguida atravessou uma curta fase fauve. Um dos fundadores, em 1909, da Neue Künstlervereinigung (Nova Sociedade Artística) de Munique, entre 1910 e 1914 atravessou seu período dito de abstração dramática.
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Em 1911, com Franz Marc e outros expressionistas, esteve entre os que participaram de Der Blaue Reiter, onde declarou que "o problema da forma está ultrapassado". No ano seguinte, expôs com esse mesmo grupo em Berlim.
Em seu retorno à Rússia, Kandinski entrou em contato, em 1918, com os construtivistas Naum Gabo e Anton Pevsner, partilhando idéias do movimento. Sua obra mostrou-se mais racionalista, enquanto também participava da Bauhaus.
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Obras confiscadas
Só em 1929 se organizou sua primeira exposição individual numa galeria de Paris: era, então, sua "grande síntese" pictórica.
Em 1937, na Alemanha, com o artista exilado há anos, dezenas de suas obras foram confiscadas pelos nazistas e várias delas expostas na mostra de "Arte Degenerada".
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No auge do expressionismo, Kandinski escreveu Über das Geistige in der Kunst (1911; Sobre o espiritual na arte), em que procurou apontar correspondências simbólicas entre os impulsos interiores e a linguagem das formas e cores.
Bem distinta é sua posição em Punkt und Linie zu Fläche (1926; Do ponto e da linha até a superfície), explicação mais técnica da arte, testamento teórico de sua "época dos círculos", geometrismo lírico que precedeu a fase final de sua síntese da construção e inventividade.
Kandinski morreu em seu refúgio de Neuilly-sur-Seine em 13 de dezembro de 1944.
caroline nº8 5ªf.

Expressionismo-Wassily Kandsky

Wassily Kandsky nasceu em 4 de dezembro de 1866.Foi educado pela tia após a separação dos pais,em 1871,gostava de música e arte.Fez direto e economia na universidade de Moscou.
Em 1904 empreendeu,em companhia de Gabriele Münter,uma viagem pela Holanda,França,Tunísia e Itália.
Em 1911,funda o grupo Der Blaue Reiter ,umas das vanguardas do expressionismo alemão.
Em 1914,casa-se com Nina, assim que volta a Moscou,com ela tem um filho,Vsevolod,morto em 1920.
Por causa da morte de seu filho,parte para a Alemanha e é contratado pra dar aulas na Bauhaus.
Por influência do construtivismo,seu estilo vai para geometrismo.
Depois do fechamento da Bauhaus pelo governo Nazista,Kandisky e Nina se refugiaram em Neuilly-sur-Seine,próximo de Paris.
Em contato com o surrealismo,sua pintura deriva para a abstração biomórfica.
Morreu em 13 de dezembro de
1944.
Gabriele Münter
Ano:1901














Canto do Volga
Ano:1907












Gabriela R. Coelho 5f/14

quarta-feira, 21 de outubro de 2009

August Macke



August Macke, nasceu em 03 de janeiro de 1887 em Meschede na Westfália. Seu pai August F. Hermann Macke era engenheiro civil e sua mãe Maria Florentine, era empreendedora de um agricultor. Em 1897, Macke ingressou na escola secundária de Kreuz, onde conheceu Hans Thuar. O pai de Thuar possuía uma coleção de Xilografias japonesas, que causaram uma forte impressão em Macke.
Macke mudou-se para Bona no final de 1900, onde ingressou na escola secundária de Bona. Macke conheceu Elisabeth Gerhardt, que se tornaria mais tarde sua futura esposa, a caminho da escola em 1903.
Ainda na escola Macke viu algumas pinturas de Arnold Böcklin no Kunstmuseum de Basileia, onde simbolismo do artista deixara uma marca profunda no jovem sensível. Esta foi uma grande influência no desenvolvimento artístico de Macke, que estava cada vez mais determinado a ser artista. Essa idéia era contraria por seu pai, que na altura da quase pobreza preocupava-se com o futuro do filho e achava que ele deveria levar uma vida normal.
obras.

Macke gostava de trabalhar com a natureza.


Em janeiro de 1904, ele já tinha enchido o seu primeiro caderno de esboços, mesmo antes de ingressar na Academia de Düsseldorf. Ele era apaixonado pela captação de imagens do cotidiano. Durante sua curta vida ele encheu um total de 78 cadernos, num total de mais de 3 mil páginas, muitas utilizadas ambos os lados.
Os trabalhos simbolistas de Max Klinger e naturalistas de Hans Thoma e Wilhelm Leibl tiveram forte influência sobre Macke no início de sua carreira.
Em 13 de abril de 1910 nasce seu filho Walter, e em novembro retornam a Bona. Em fevereiro de 1911, muda-se para um novo estúdio nº 88 (hoje 96), da Bornheimer Strasse. No final do verão conhece Paul Klee, depoi de visitar a Suíça. Exibe 3 quadros na primeira exposição do Blaue Reiter na Galeria Thannhauser, em Munique.
Em 08 de agosto é chamado para o serviço militar e em 26 de setembro, August Macke é morto em combate.

Sob a chuva (1912) Nosso jardim com canteiro de flores, (1911)















Giovanna , 16 , 5f

Paul Klee

Paul Klee nasceu em 18 de Dezembro de 1879 em Münchenbuchsee , perto de Berna, na Suíça .
Quando garoto , adorava ouvir os contos de fadas de sua avó , muitos dos quais ela mesma ilustrava . Logo se interessou por desenhar e pintar .
Klee desenhava constantemente paisagens a lápis .
Em Setembro de 1898 , ele partiu para Munique para estudar arte . Apresentou-se na Academia , (
Academia de Belas Artes de Munique ) mas foi aconselhado a frequentar primeiro um escola de arte particular . Conheceu Lily Stumpf , uma pianista , no outono de 1899 , e suas afeições tornaram-se parecidas . Pelo fato de Klee ser filho do professor de música Hans Klee e , antigamente , se interessar muito por música . Os primeiros passos em direção ao Expressionismo foram dados nesta época . Suas principais influencias foram os mosaicos do começo da arte cristã , arquitetura renascentista e os trabalhos de Michelangelo . Também foi fortemente influenciado pelo gótico internacional , como o manifestado por Fra Angelico .
Em Outubro de 1906 , Klee retornou a Munique para se casar com Lily Stumpf .
Depois , a vida foi interrompida pela Primeira Guerra Mundial , durante a qual Klee serviu como oficial . Embora tenha produzido alguns trabalhos durante a guerra , ele não começou a pintar seriamente até 1918 . Nesta época já estava ficando bem conhecido . Em 1919 assinou um contrato com Goltz , o comerciante de arte que ajudou Klee a montar uma grande exposição de seus trabalhos 1920 .
Em 1932 , quando estava em Berlim , Klee foi violentamente atacado pelos nazistas e , próximo ao Natal daquele ano , retornou a Berna , onde desenvolveu sua fase artística derradeira , baseada em um desejo pro simplicidade . Agora ele também se encontrava perto da pobreza , pois seus recursos financeiros na Alemanha haviam sido confiscados .
Em 1933 , retornou à Suíça . Dois anos depois , teve diagnosticada uma doença auto-imune e progressiva , a esclerodermia . Paul Klee faleceu em Berna , em 1940.
Klee já foi associado ao
expressionismo , cubismo , futurismo , surrealismo , e abstracionismo , mas suas imagens são difíceis de serem classificadas . Klee trabalhou com vários materiais diferentes – tinta a óleo , aquarela , tinta preta , rascunho , e outros. Na maioria das vezes , ele combinava esses materiais em uma só obra . Ele usava tela , linho , gaze , papel-cartão , limalha , tecido , papéis de parede , e papel-jorna l. Klee fazia uso de pintura a spray recortes com facas , carimbos e verniz , e misturava , por exemplo , óleo com aquarela ou aquarela com caneta e tinta indiana .






Paul Klee - Red Balloon ( Balão Vermelho )
Paul Klee - Highway ( Rodovia )
Giovanna Oliva , 5F , 16
Vincent Willem van Gogh — van goggh foi um pintor pós impressionista holandês , freqüentemente considerado um dos maiores pintores de todos os tempos.
Sua vida foi marcada por fracassos. Ele falhou em todos os aspectos importantes para o seu mundo, em sua época. Foi incapaz de constituir família, custear a própria subsistência ou até mesmo manter contactos sociais. Aos 37 anos, sucumbiu a uma doença mental, suicidando-se.
A sua fama póstuma cresceu especialmente após a exibição de 71 das suas telas em Paris , em 17 de Março de 1901. Somente após a sua morte sua obra foi amplamente reconhecida.(quase igual a Leonardo da Vinci)
Van gogh é considerado pioneiro na ligação das tendências impressionistas com as aspirações modernistas, sendo a sua influência reconhecida em variadas frentes da arte do século 20,
Van gogh era um pintor muito famoso também por praticar vários tipos de arte como por exemplo o expressionism, o fauvismo e o abstraccionismo
O Museu Van Gogh em Amsterdã é dedicado aos seus trabalhos e aos dos seus
Recentemente a obra mais famosa ( na minha opinião ) é o grito

terça-feira, 20 de outubro de 2009

O Expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda que surgiu na Alemanha. Tinha como principal característica a pintura trágica ao contrário do Impressionismo.
Para os expressionistas, o mais importante era mostrar sua visão pessoal e intuitiva, consequentemente, os quadros possuiam cores irreais e suas figuras eram deformadas para ressaltar o sentimentos.
Principais características do Expressionismo:
- Pesquisa no domínio pscicológico;
- Dinamismo improvisado, abrupto, inesperado;
- Pasta grossa, martelada, áspera;
- Técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo, empastando ou provocando explosões;
- Preferência pelo patético, trágico e sombrio.

Edvard Munch
, foi um pintor norueguês, um dos percursores do expressionismo alemão.Nasceu na cidade de Løten (Noruega) em 12 de dezembro de 1863.
Teve uma vida familiar muito conturbada, pois sua mãe e uma irmã morreram quando Munch ainda era jovem. Uma outra irmã tinha problemas mentais. O pai de Munch tinh
a uma vida marcada pelo fanatismo religioso. Para complicar, Munch ficou muito doente durante a infância.

Nome:O Grito
Artista: Edvard Much
Ano:1893













Nome:Puberdade
Artista:Edvard Much
Ano:1894






Amanda n°:3

domingo, 11 de outubro de 2009

Expressionismo - Otto Dix




Título: Metropolis

Data: 1928








Título: O Poeta Iwar Von Lücken 1926
Data: 1926
Material: Pintura à óleo em canvas
Dimensões: 226 X 120 cm
Coleções: Berlinische Galerie, Berlim, Alemanha






















Título: Café Couple
Data: 1921
Material: Pintura a guache e lápis
Dimensões: 50,8c X 41 cm
Coleções: Museu de Arte Moderna (Moma), Nova York











O Expressionismo foi um movimento cultural de vanguarda que surgiu na Alemanha no início do século XX. Tinha como principal característica a pintura trágica ao contrário do Impressionismo que era mais positivista.
Para os expressionistas, o mais importante era mostrar sua visão pessoal e intuitiva, consequentemente, os quadros possuiam cores irreais e suas figuras eram deformadas para ressaltar o sentimentos.
Principais características do Expressionismo:
- Pesquisa no domínio pscicológico;
- Dinamismo improvisado, abrupto, inesperado;
- Pasta grossa, martelada, áspera;
- Técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem, fazendo e refazendo, empastando ou provocando explosões;
- Preferência pelo patético, trágico e sombrio.

Otto Dix foi um pintor alemão que nasceu na cidade de Gera em 1891. Era conhecido pelo seu estilo único e grostesco. Veterano da 1ªGuerra Mundial, sua pintura possui uma temática antibélica e muitas de suas obras retratam a revolta que ele sentia pela maneira de como os soldados feridos e aleijados eram tratados na Alemanha.
Além de pintor, Otto Dix tirou muitas fotos de soldados alemães que foram severamente desfigurados pela guerra. Mais tarde, suas fotos foram utilizadas por outro artista alemão, Ernst Friedrich, em seu livro Guerra Contra a Guerra! em 1924.
Seus principais trabalhos foram: Metrópolis e Guerra de Trincheiras.
Várias de suas pinturas foram destruídas quando Adolf Hitler chegou ao poder da Alemanha em 1933.
Otto Dix faleceu em 1969.

Karen 5ªF 22





quinta-feira, 3 de setembro de 2009

Titulo:Baco
Autor:Michelangelo
Ano:1594
Materiais:oleo sobre a tela
Dimesões:95x85

5f/14 Gabriela


Gian Lorenzo Bernini



Foi um eminente artista do barroco italiano, trabalhando principalmente na cidade de Roma. Distinguiu-se como escultor e arquiteto, ainda que tivesse sido pintor, desenhista, cenógrafo e criador de espectáculos de pirotecnia. Esculpiu numerosas obras de arte presentes até os dias atuais em Roma e no Vaticano.


Cedo acompanhou o pai a Roma, onde suas precoces habilidades de prodígio logo foram notadas pelo pintor Annibale Carracci e pelo papa Paulo V começando assim a trabalhar como artista independente. Seus primeiros trabalhos foram inspirados por esculturas helenistas e romanas existentes, que pôde estudar em detalhe.
E tambem e um dos pioneiros da arte barroca, juntamente com seu rival Francesco Borromini, Bernini é autor de inúmeras obras célebres, entre as quais se destaca o baldaquino da basílica de São Pedro em Roma.

Caroline Wainstein Azulay nº8 5ªf

Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio foi um pintor italiano que ficava em Roma,Nápoles,Malta e Sicília.Foi identificado por artista Barroco, que foi um grande representante.
Nasceu em Milão,onde seu pai era adminidtrador e arquiteto-decorador do Marquês Caravagio.
Ele pegava emprestada as imagens das pessoas da rua para retratar Maria e os Apóstolos.Inspirava-se entre comerciantes, prostitutas, marinheiros, todo o tipo de pessoas que não eram de nobre e que tivessem grande expressão, como suas obras retratam.

pt.wikipedia.org/wiki/caravaggio

Crucificação de São Pedro, 1601. Capela Cerasi, Igreja de Santa Maria del Popolo, Roma
Gabriela 5F/14

quarta-feira, 2 de setembro de 2009

El Greco (Doménikos Theotokópoulos)


As célebres figuras alongadas das quadros de El Greco, objeto de muitas polêmicas, e suas cenas religiosas revelam um pintar de grande espiritualidade e domínio técnico, com uma pincelada solta e livre aprendida em Veneza. Domenikos Theotokopoulus, conhecido como El Greco, nasceu cm 1541 em Cândia, posteriormente Heracléia, na ilha grega de Creta, na época possessão veneziana. Há poucos dados sobre seus anos de formação. Na ilha pode conhecer a pintura bizantina de ícones, cujo estilo idealizado nunca esqueceria. Em 1560 mudou-se para Veneza, onde aprendeu com Ticiano a técnica da cor e da composição. Por volta de 1570 El Greco encontrava-se sob a proteção do Cardeal Alessandro Farnese, em Roma, onde estudou o tratamento do nu nas obras de Michelangelo. Seus primeiros quadros como "Cristo expulsando os vendilhões do Templo" (1560 - 1565)mostram já a assimilação da estética veneziana no que se refere à luz, ao colorido e à construção espacial. Posteriormente, El Greco trocou a Itália pela Espanha, atraído pela construção do mosteiro do Escorial, perto de Toledo, que oferecia enorme possibilidades de trabalho aos pintores italianos. Em 1576 conheceu, em Madri, Jerónima de las Cuevas, com quem teria um filho. É no ano seguinte, ao se instalar em Toledo, cidade onde viveu o resto da vida e que ficou ligada a fama do pintor, que El Greco entra realmente para a história da arte. Toledo havia sido, até 1561, capital de grande prestígio e iniciara sua decadência com a mudança da corte para Madri. Logo surgiram as encomendas e El Greco pintou os retábulos da Igreja de Santo Domingo el Antiguo e "O espólio" (1577 - 1579) para a Catedral de Toledo. Para o Escorial realizou o famoso "Martírio de São Maurício e de sua legião tebana" (1580 - 82); suas deformações contrárias ao naturalismo clássico desagradaram Felipe II, o que provocou o afastamento de El Greco do núcleo de pintores da corte e sua completa reclusão em Toledo.
Sua posterior produção artística encaminhou-se em três direções: os retratos, onde procurou mostrar a vida interior dos personagens; a série de santos e apóstolos; e os quadros de cenas religiosas, nos quais mostrou um estilo particular, com figuras alongadas - que alguns críticos creditavam a um defeito de visão - composições assimétricas, formas serpenteantes, grande expressividade de cor e, sempre presente, uma enorme força espiritual.Entre os retratos, pintou em torno de 1580 um dos mais conhecidos, "Homem com a mão no peito". Trata-se de um personagem melancólico e sereno, com grande expressividade no rosto e nas mãos, predominando os tons escuros. Entre 1586 e 1588 pintou seu quadro mais célebre, "Enterro do conde de Orgaz", para a Igreja de São Tomé, em Toledo, baseado em uma lenda toledana segundo a qual o próprio santo Agostinho e santo Estevão haviam comparecido ao enterro do senhor de Orgaz, virtuoso cavaleiro cristão. O quadro divide-se em duas cenas: uma terrena e outra divina. Entre as séries religiosas de El Greco destaca-se a dos "Apostolados" (1602 - 05) para a sacristia da Catedral de Toledo. Morreu em 7 de abril de 1614.

Amanda nº3 5ªF


Tintoretto


Em 1539, no entanto, já se estabelecera como pintor, e voltou de uma viagem a Roma impressionado com a obra de Michelangelo.
Após pintar afrescos para a igreja de Santa Maria dell'Orto, recebeu em 1548 a encomenda de decorar a Scuola di San Marco, trabalho que lhe valeu grande fama.
Em 1550 casou-se com a filha de um banqueiro e até o fim da vida dedicou-se somente à pintura.


Durante muito tempo Tintoretto foi classificado como o último pintor renascentista; passou depois a ser considerado o primeiro mestre da pintura barroca; hoje é apontado como grande vulto do maneirismo. É difícil classificá-lo com precisão, pois em sua obra existem exemplos das três correntes. O pintor preocupou-se igualmente com a forma e com a cor, numa síntese florentino-veneziana que para outro mestre teria sido impossível.
Caroline wainstein azulay nº8 5ªf

Jacopo Robusti


Jacopo Robusti, conhecido como Tintoretto, nasceu em Veneza por volta de 1518. Filho de um tintureiro de sedas, sabe-se que entrou ainda jovem para o ateliê de Ticiano, onde ficou poucos dias. Em 1539, no entanto, já se estabelecera como pintor, e voltou de uma viagem a Roma impressionado com a obra de Michelangelo.Após pintar afrescos para a igreja de Santa Maria dell'Orto, recebeu em 1548 a encomenda de decorar a Scuola di San Marco, trabalho que lhe valeu grande fama.

Em 1550 casou-se com a filha de um banqueiro e até o fim da vida dedicou-se somente à pintura.Durante muito tempo Tintoretto foi classificado como o último pintor renascentista; passou depois a ser considerado o primeiro mestre da pintura barroca; hoje é apontado como grande vulto do maneirismo.É difícil classificá-lo com precisão, pois em sua obra existem exemplos das três correntes. O pintor preocupou-se igualmente com a forma e com a cor, numa síntese florentino-veneziana que para outro mestre teria sido impossível.

A obra de Tintoretto está concentrada sobretudo em Veneza, mas seus quadros a óleo escureceram, em parte porque ele não costumava reforçar o branco das telas antes de pintar as cores escuras.Suas obras, altamente dramáticas, fogem à placidez e regularidade da composição renascentista.A fama de que desfrutou o pintor como mestre do colorido, a despeito da deterioração de seus óleos, sobrevive em função da alta qualidade emocional das telas.
Amanda n°:3

Peter Paul Rubens


Peter Paul Rubens nasceu em 1577 Na terra em que passou a maior parte de sua vida e à qual serviu com muito patriotismo, Flandres.
Ao contrário de vários outros pintores posteriormente famosos, Rubens não enfrentou oposição da família pela carreira que escolhera – muito menos naquela região que valoriza até hoje sua tradição artística. Pelo contrário, recebeu estímulo e incentivo, desde que correspondesse ao talento que lhe fosse exigido; algo que não tardou a acontecer.
Já aos 15 anos tinha certeza da vocação e era aprendiz de pintores. Começou com Adam van Noort, depois Tobias Verhaeght e finalmente Otto van Veen, que exerceu sobre ele a maior influência. Foi Van Veen que fez nascer em Rubens uma grande admiração pela Itália e pela cultura latina clássica.
Não tarda a chegar a fama. A partir da primeira encomenda, feita pelo Cardeal da Áustria e muito bem recebida, sucedem-se várias outras, principalmente pinturas para igrejas e retratos da aristocracia. Pinta duques, condes e também burgueses, a classe em franca ascensão nos estados italianos. Fica famoso, e é conhecido entre as elites por ser, além de excelente pintor, uma pessoa de fácil relacionamento e grande simpatia.







Dicas:


Giovanna 16/ 5F













Andrea Pozzo

"[...]O Barroco foi um período da História da sociedade ocidental, ocorrido desde meados do século XVI até ao século XVIII. Foi inspirado no fervor religioso e na passionalidade da Contra-reforma. Didaticamente falando, o Período barroco, vai de 1580 a 1756.[...]"


Um dos nomes mais importantes da pintora Barroca é o italiano Andrea Pozzo que tem como destaque a obra A Glória de Santo Inácio.
















O Pintor que nasceu 1642 e virou padre jesuíta,estudou pintura em Milão e entrou para o noviciado da Companhia de Jesus aos 23 anos. De 1676 a 1678 decorou a igreja jesuíta de São Francisco, em Mondovì.
foi chamado a Roma pelo Padre Oliva, no fim de 1681.
Aperfeiçoou-se em Roma, onde viveu por muito tempo e começou a pintar o monumental teto da igreja jesuíta de Santo Inácio no final dos anos 1690. Residiu em Gênova e Turim e tem outros trabalhos em Modena, Arezzo e Montepulciano.
Morreu no ano de 1709.


A pintura barroca desenvolveu-se também nos tetos de igrejas e palácios. Essa pintura, de efeito decorativo, realizou audaciosas composições de perspectiva. Assim foi o trabalho de Andrea Pozzo (1642-1709) realizou para o " teto da igreja de Santo Inácio", em Roma. Essa obra impressiona pelo número de figuras e pela ilusão criada pela perspectiva.


















Giovanna Oliva 16 / 5F
Michelangelo foi um pintor Italiano atuante em Roma, Nápoles, Malta e Sicília, entre 1593 e 1610. É normalmente identificado como um artista Barroco, estilo do qual ele é o primeiro grande representante. foi um pintor Italiano atuante em Roma, Nápoles, Malta e Sicília, entre 1593 e 1610. É normalmente identificado como um artista Barroco, estilo do qual ele é o primeiro grande representante.

ass: Rodrigo n° 29

sábado, 29 de agosto de 2009

Barroco - Velázquez e Vermeer

O Barroco foi um período estilístico e filosófico da História da sociedade ocidental, ocorrido em meados do século XVI até o século XVIII. Se desenvolveu primeiramente nas artes e depois na literatura, no teatro e na música.
Surgiu na Itália e depois se espalhou por outros países da Europa como Holanda, Bélgica, França e Espanha.
A pintura barroca é uma pintura realista, concentrada nos retratos no interior das casas, nas paisagens, nas naturezas mortas e nas cenas populares como no barroco holandês.
Na Itália e Espanha, por causa da Contra-Reforma, a Igreja Católica pressionou os artistas a divulgarem seus ensinamentos religiosos através de pinturas.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Foi um pintor espanhol, nasceu em Sevilha no dia 6 de junho de 1599 e faleceu em Madri, em 6 de agosto de 1660. Foi o principal artista da corte do Rei Felipe IV da Espanha. Pintou cerca de cem quadros muito valiosos.
Em seus primeiros trabalhos notam-se os contrastes entre zonas escuras e zonas iluminadas por um único foco de luz, uma tentativa de ressaltar volumes e relevos.
Ele procurou retratar em suas pinturas as pessoas de maneira respeitosa, destacando a individualidade de cada um.

Título: Auto Retrato
Autor: Diego Rodrígues de Silva y Velázquez
Data: 1643
Material: pintura a óleo em canvas
Dimensões: 70 X 58 cm
Coleções: Galleria Degli Uffizi, Florença - Itália



Título: As meninas
Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
Data: 1656 à 1657
Material: pintura a óleo em canvas
Dimensões: 318 X 276 cm
Coleções: Museu do Prado, Madri - Espanha




Johannes Vermeer

Foi um pintor holandês, nasceu em Delft no dia 31 de outubro de 1632 e faleceu no dia 15 de dezembro de 1675.
É considerado o segundo pintor holandês mais famoso do século XVII, depois de Rembrandt.
Os seus quadros são admirados pelas suas cores transparentes, composições inteligentes e brilhante uso da luz.
Vermeer retratou cenas da vida burguesa, repletas de símbolos e intenções morais. Em "A leiteira" ( 1658), manifesta-se seu colorido particular: fusões de azul e amarelo, objetos pontilhados de dourado.
Morreu muito pobre e muitas vezes seus quadros foram vendidos com nomes de outros pintores para que fossem valorizados, por esse motivo, pouco se sabe sobre seus quadros.



Título: Vista do Delft
Autor: Johannes Vermeer
Data: 1659
Material: pintura a óleo em canvas
Dimensões: 98,5 X 117,5 cm
Coleções: Mauritshuis, The Hague




Título: A leiteira
Autor: Johannes Vermeer
Data: 1658
Material: pintura a óleo em canvas
Dimensões: 45,1 X 41 cm
Coleções: Rijksmuseum, Amsterdã - Holanda




Bibliografia e Links


Karen 5ªF nº22

quinta-feira, 4 de junho de 2009

Grécia e Roma Antiga


Título: Augusto de Prima Porta
Autor: Desconhecido
Data: século I A.C.
Coleção: Museu do Vaticano




Título: Vênus de Milo
Autor: Alexandre de Antióquia
Data: Cerca de 130 A.C.
Dimensões: 2,3m de altura
Material: Mármore
Coleções: Museu do Louvre, Paris


A escultura é uma das mais importantes representações artísticas da cultura antiga.
A estatuária Grega possui os mais altos padrões de qualidade já atingidos pelo homem.
As estátuas adquiriram além do equilíbrio e perfeição das formas, o movimento.
As primeiras estátuas de pedra do tamanho de um homem são do período Dedálico(650 A.C.).O nome deste período foi dado em homenagem à Dédalo, o heroi mítico que é tido como o inventor da arte da escultura.
Há algumas hipóteses de que os gregos desenvolveram seus conhecimentos em escultura inspirados na arte dos Sírios.
Alexandre de Antióquia foi um escultor helenístico que fez a famosa escultura Vênus de Milo, representação da deusa Afrodite. Ele também fez a estátua de Alexandre Magno.


A arte contemporânea grega é a arte feita pelos artistas após a Segunda Guerra Mundial.


A escultura da Roma Antiga iniciou-se em sua metrópole entre os séculos VI A.C. e V D.C.
No começo foi influenciada pela herança etrusca e mais tarde pelo contato com os gregos.

Fontes:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Grécia_Antiga
http://pt.wikipedia.org/wiki/Escultura_da_Roma_antiga
http://www.historianet.com.br/conteudo/default.aspx?codigo=42

Karen 5F nº22


Grécia e Roma Antiga

sábado, 28 de fevereiro de 2009

Imagens











Imagens do Egito Antigo




Bibliografia

http://pt.wikipedia.org/wiki/Antigo_Egito
Fonte: Livro Egito faraônico TERRA DOS DEUSES
Museu do Louvre
http://www.brasilescola.com/historiag/arte-egipcia.htm
http://www.mujer.notiemail.com/arte/articulos.asp?lang=pt&idart=1922
http://www.colegiosaofrancisco.com.br/alfa/civilizacao-egipcia/escultura-egipcia3.php
http://pt.wikipedia.org/wiki/Ficheiro:Nefertiti_30-01-2006.jpg

Perguntas:

1) Na escultura egípcia se observam uma série de características. Assinale qual a alternativa é verdadeira em relação a elas:



( ) As figuras são móveis, os rostos expressivos, sem mirada fixa, bem concentradas;
( ) As principais representações são de Deuses e Faraós em posição serena, quase sempre de frente, sem demonstrar emoção, pretendendo traduzir a idéia de imortalidade;
( ) As esculturas egípcias não tem caráter religioso, nem expressam os cultos ou figuras funerárias;
( ) Os escultores egípcios retratavam as proporções reais do corpo humano, sem qualquer exagero, dando a impressão nítida das fraquezas humanas.

2) Qual foi a influência da escultura para o Brasil?

( ) Não houve nenhuma influência, pois o Egito fica em outro continente;
( ) Os egípcios foram um dos primeiros povos a esculpir a forma humana, influenciando todas as civilizações;
( ) A escultura egípcia não tem importância;
( ) Foi o Brasil que influenciou a escultura no Egito

Beijoos

Exemplos




Em dois momentos os reis originários de Tebas restabeleceram a unidade do Egito e este foi o impulso inicial para a valorização do deus Amon, deus obscuro até a XII dinastia. Amon significa “o oculto”, aquele cujas qualidades são tais que os olhos não podem vê-lo e do qual não se conhece o verdadeiro nome.
Sua primeira manifestação figurada confundia-se com o deus itifálico Min, deus da fecundidade, mas denominando-o sempre Amon-Rê. Sua designação Rê o associa ao deus solar.
Suas plumas altas-quebradas-espetadas em um barrete,bem como a cor sombria de sua pele (azul ou preta), fazem-no se confundir com uma divindade do ar.
Mas são os acontecimentos políticos que lhe proporcionam destino excepcional. Os reis escolheram ser denominados Amenemhat (Amon-está-a-frente) ou Amenhotep (Amon-está-satisfeito). Ele foi eleito deus dinástico e sua fortuna não parou de aumentar. Com ele, sua esposa, a deusa Mut, cuja representação animal era o abutre, e o filho, Khonsu, formavam uma tríade. Eles foram cultuados na imensa área sagrada de Karnak, e toda a região de Tebas, nas duas margens, foi pontilhada
Com santuários onde Amon tinha sempre a primazia. Deus do Império, ele extrai sua glória da glória dos reis.
Na seqüência da experiência mística de Amenhotep IV, que se desvencilhou de Tebas opondo-se ao clero de Amon, momento tão fugidio quanto apaixonante, o jovem rei Tutankhamon “restaura” o culto do “Rei dos deuses, Amon”. O jovem rei célebre pela descoberta de sua tumba, que encerrava um fabuloso tesouro, nela imprimiu suas memórias com traços juvenis: os olhos amendoados contornados por largas pálpebras, a boca delicadamente sensual, e o corpo efeminado prolongando a influência amarniana. A imagem dos deuses reproduz sempre o retrato do rei. Amon, à imagem do jovem rei sentado em um trono, adornado pela “união das plantas simbólicas” (sema-tauy) [6], protege a estátua do rei. Mas dele restou apenas o traço dos calcanhares entra os pés do deus, e sua posição permanece enigmática: os egiptólogos não podem afirmar se ele estava de pé diante de Amon, ou em outra atitude.
As marteladas no nome real no pilar dorsal, as quebras propositais de sua efígie, aquelas das mãos do deus e do sinal simbólico dos “milhões de anos” esculpidas no trono mostram quanto se procurou eliminar a memória de Tutankhamon e a aniquilar a transmissão divina que lhe proporcionava a estátua em pedra do maior dos deuses, Amon.


Museu do Louvre

O Faraó Huni

Ai está a Biografia de um homem bem importante:



Um dos nomes mais conhecidos do Antigo Egito esse faraó construi muitas pirâmides, sendo um marco importante pra arte:





"O Faraó Huni (ou Qa Hedyet) foi o sucessor de Djoser. Construiu várias pirâmides em degraus pequenas e maciças. Desde Elefantina, no sul, até Athribis, no Delta, embora não fossem pirâmides funerárias, mas sim monumentos reais. Já a sua pirâmide funerária não foi ainda descoberta. Porém é provável que o seu túmulo se encontre na região de Sakara."






Beijos!

Histórico

A escultura tida como verdadeira surgiu pela primeira vez no Oriente Próximo.No entendimento dos estudiosos, a escultura egípcia baseia-se pelo sentido de perenidade, de eternidade: convencional e monótona. Nelas, todas as figuras apresentam-se dominadas pelo que se chamou de “lei da frontalidade”.As esculturas egípcias são regidas por uma simetria absoluta, das quais se extraia uma calma e imperturbável monumentalidade. Pode-se afirmar que a escultura egípcia nunca é verdadeiramente tridimensional, sendo antes resultado da justaposição de quatro relevos, os quais formam um verdadeiro cubo.Assim, a escultura egípcia não dá grande realce ao detalhe naturalístico, acentuando músculos e membros.

O QUE VOCÊ DEVERIA TER APRENDIDO COM ESSE POST:

1. A primeira escultura tida como verdadeira surgiu no Oriente Próximo.


Beijos

O Egito Antigo e Contemporâneo: Definição

Bom o nosso primeiro post, como está escrito ai em cima é a Definição das esculturas...
Ai embaixo, iremos conhecer um pouco mais sobre as esculturas:

"Escultura não é somente a arte de modelar o barro, a cera, esculpir madeira, pedra, fundir metal ou construir em metal ou plástico estátuas, relevos, estruturas, mas os produtos finais de tal arte.
Em sua forma mais simples, consiste a escultura em argila que o homem plasma com as mãos, segundo a finalidade a que destina – recipientes para seus alimentos, ídolos para o culto, etc.
Mais tarde para fazer as estátuas mais duradouras de seus Deuses, de seus soberanos ou de seus heróis, o escultor lança mão da pedra, que corta e adapta aos fins que pretende atingir.
Plasmar ou modelar a argila, cortar ou esculpir a pedra ou a madeira: eis dois métodos postos em uso desde a Pré-História pelo homem.
O primeiro é chamado de método plástico; o segundo, método glíptico.
Pelo método plástico a forma desejada é obtida pela adição sucessiva de material – argila, cimento, cera; pelo método glíptico, pela diminuição lenta mas constante de material – pedra, madeira, a partir do bloco íntegro que pouco a pouco vai-se adaptando aos desígnos do escultor. Esses dois métodos são a maneira especial pela qual o escultor se comunica com o mundo exterior, pouco tendo mudado através de milênios."

O QUE VOCÊ DEVERIA TER APRENDIDO NESSA POSTAGEM:
  1. Escultura não é somente a arte de modelar,mas os produtos finais de tal arte.

Bom ai está nossa definição!